Hawkwind – Warrior On The Edge Of Time: Steven Wilson remix (Atomhenge)

LP

Atomhenge met à disposition pour la première fois le remix 2013 d’un incontournable du rock spatial Hawkwind sur vinyle – avec une pochette gatefold qui se déplie en un bouclier. Nathan Brown écrit.

Warrior On The Edge of Time était une collaboration de 1975 entre Hawkwind et Michael Moorcock. un redémarrage du 50e anniversaire d’Atomhenge plus tard cette année). Il était basé sur les personnages Eternal Champion de Moorcock et se situait dans un multivers d’univers parallèles, de dimensions et de réalités alternatives, répartis dans le temps et les galaxies. Les chansons parlent de sorciers et de chaos – et bien sûr de guerriers – mais ne racontent pas une histoire claire comme beaucoup d’albums conceptuels. Ils donnent un aperçu de certains aspects du multivers de Moorcock et de ces guerriers qui attendent à la fin des temps une bataille finale. Hawkwind et Moorcock fournissent un récit plus sale et plus chaotique que la plupart des albums conceptuels de prog “début, milieu et fin” soignés et bien rangés qui semblaient caractériser le milieu des années 70. Ils reviendraient avec un autre album concept racontant l’histoire du personnage d’Elric de Moorcock en 1985.

Pour certains, c’est le summum des réalisations du groupe lorsqu’il était au sommet de ses pouvoirs. Ils avaient certainement une formation solide avec Dave Brock et Nik Turner au chant. Brock, la seule constante dans la carrière continue du groupe était à la guitare, bien sûr. La flûte de Turner flotte au-dessus du mix, plus proéminente que sur tout autre disque de Hawkwind, et son saxophone sur les effets est également présent. C’était le dernier disque avec Lemmy à la basse, et juste avant qu’ils ne changent radicalement leur son avec Bob Calvert à la barre. Le multi-instrumentiste Simon House a poussé plus loin l’utilisation par le groupe de générateurs sonores et de synthétiseurs, contribuant également au violon. Cet album présente deux batteurs en Simon King et Allan Powell. Parfois, ils fournissaient un entraînement doublé et à d’autres, l’un ou l’autre se concentrait sur les percussions. La voix de Michael Moorcock saute également de la page vers le studio.

Ce remix de Steven Wilson utilisant les masters originaux était auparavant disponible sur CD, mais maintenant disponible sur vinyle, il a été gravé aux studios Abbey Road. Reconnaissant la valeur esthétique, Atomhenge a recréé l’emblématique pochette à rabat complet qui ressemble à une couverture de bande dessinée fantastique avec style. Lorsqu’il est déplié pour révéler les 4 quartiers, le paysage en miroir d’un guerrier sur un précipice montre une énorme goutte. C’est la limite du temps. Si vous vous éloignez du détail, le paysage ressemble à un casque. C’est une œuvre d’art époustouflante. Un écu orné d’un symbole du chaos constitue le revers. Même si vous pouvez trouver une copie d’occasion de ce disque (près de 50 ans) avec la pochette intacte, les couleurs ne seront tout simplement pas aussi éclatantes !

Assault and Battery commence par une ligne de basse proéminente et un mellotron en plein essor avant que les hauts-de-forme inaugurent le reste du groupe, y compris une flûte proéminente. Le jeu prolifique de flûte de Nik Turner en plus de son saxophone est l’une des caractéristiques de cet album procurant une sensation particulièrement flottante. La voix et le style de guitare reconnaissables de Dave Brock viennent à vous tandis que les synthétiseurs entrent et sortent en créant un paysage marin époustouflant. La guitare et les synthés vous submergent par vagues et il y a un long solo de flûte, qui fonctionnent tous ensemble pour créer un effet planant et planant. La phrase de choeur répétée “Assaut et batterie de l’anatomie humaine” est ponctuée lors de son dernier tour par “homme” juste au cas où vous auriez le moindre doute sur le fait que Hawkwind était un groupe de choix pour les hippies qui avaient refusé d’abandonner les idéaux de la contre-culture.

Avec un fracas de cymbales, Assault et Battery enchaînent sur The Golden Void, le backbeat et les synthés se poursuivant, ce qui donne l’impression d’être une continuation, ce qui est le cas, car il s’agit techniquement d’une bête de piste. Les synthés maintiennent le lien tandis que la batterie et la basse baissent le tempo. Notre protagoniste, qui nous parle par l’intermédiaire de Dave Brock, est transporté quelque part, à un moment donné et la musique crée la sensation d’un voyage. Le mur d’instruments crée une atmosphère tourbillonnante avec des synthétiseurs qui s’envolent et le saxophone qui gazouille. Il vole, mais le « couloir de flammes » est-il dans le ciel, à travers l’espace ou à travers le temps ? La destination devient claire lorsque Brock conclut la chanson et la répétition de “The edge of time” donne à cette mélodie une qualité anthémique et cinématographique. Les différents drones, accords et passages à la basse semblent plus discrets dans ce mélange particulier de l’original, ce qui est dommage car, à mon avis, c’est l’un des points forts de cette chanson. Cet appariement de chansons deviendrait un favori en direct réapparaissant sur des albums live ultérieurs, et Assault & Battery étant une face B en direct du single Zarozinia de 1986.

The Golden Void s’estompe et Michael Moorcock occupe le devant de la scène pour The Wizard Blew His Horn. Sa poésie en écho est à mi-chemin entre le monologue shakespearien et le fou furieux. Les cymbales s’écrasent pour accentuer la sensation de chaos et les synthétiseurs moroses gagnent en intensité. Alors que la voix de Moorcock s’éloigne, les vagues déferlantes prennent le relais. Une façon astucieuse de relier cette piste à la suivante, la mer s’estompant à mesure qu’Opa Loka s’installe.

La batterie et la basse créent un élan vers l’avant qui monte et descend, donnant à Opa Loka une sensation implacable, entraînée par le rythme motorik krautrock. Au fur et à mesure que votre corps entre dans un état de transe, votre esprit est emmené ailleurs. C’est un indice sur la direction que le groupe prendrait dans un avenir proche. Le saxophone, la guitare, le violon et les synthés chargés d’effets fournissent cette atmosphère importante, qui se transforme en spirale dans l’espace Twitter de la marque Hawkwind. Les vagues qui ont amené la chanson se poursuivent alors que la musique s’estompe pour être rejointes par des mouettes alors que la guitare acoustique en arpège de The Demented Man commence. Au moment où la chanson atteint le refrain, la guitare est grattée. C’est un clin d’œil mélancolique et doux aux débuts de Hawkwind. Des synthés doux et des mouettes offrent un fond apaisant tandis que d’autres instruments apparaissent pour rejoindre et quitter la mêlée. On comprend pourquoi cet album était si populaire parmi la foule de personnes du milieu des années 70 cherchant à se détendre.

Dès la face 2, le vent fait monter la tension avant que la guitare saccadée de Dave Brock n’annonce le début de Magnu. Cet hommage à un cheval volant est un éternel favori en direct avec un riff automobile fourni par la guitare, la basse et la batterie tandis que la voix de Brock, le violon de Simon House et le saxo de Turner entrent et sortent au-dessus. Les roulements de tambour prolifèrent pendant le pré-refrain et le refrain planant est suivi d’un riff post-refrain aux sonorités orientales.

Ce son oriental deviendrait une caractéristique plus importante du son de Hawkwind dans les années à venir. Le violon et le saxophone s’affrontent dans une section médiane prolongée jusqu’à ce que la guitare wah wah et les synthés ramènent un retour au couplet. L’une des caractéristiques déterminantes de Hawkwind était de répéter des phrases, musicales ou vocales, pour donner un élan moteur et renforcer leur intensité. Sur Magnu c’est la répétition de « jusqu’à ce que nous diminuions par le règne de la nuit » aux côtés du riff répétitif. Après d’autres batailles entre les instruments qui se disputent l’attention, les percussions syncopées imitent le galop d’un cheval et la chanson se termine enfin sur cette coda. La voix de Brock devient de plus en plus robotique et la musique devient plus frénétique avant de s’estomper.

Beaucoup de chansons de cet album s’estompent plutôt que d’avoir une fin spécifique et j’aimerais savoir combien de temps leurs outros de brouillage ont duré à Rockfield avant que quelqu’un n’appelle l’heure (ou peut-être qu’ils n’avaient plus de bande !).

Le vent passe de Magnu à Standing On The Edge qui est un autre poème sinistre et résonnant sur le bord du temps sur un clavier de battement de cœur. Les effets spatiaux et les synthés de marque jouent tout au long tandis que des tambours dramatiques en plein essor comme ceux d’une cour médiévale hollywoodienne ou d’une scène de bataille accentuent et ponctuent les mots de Turner. C’est sur des morceaux comme celui-ci que ce remix semble vraiment faire son travail en ouvrant le paysage sonore.

Un lazer brûlant d’un clavier démarre Spiral Galaxy 28948 avant la batterie et une basse au son glorieux inaugure une guitare à double grattage qui donne le rythme et signifie le décollage. Cette mélodie spatiale, chargée de clavier et sinueuse aurait facilement pu être le thème d’une émission télévisée de science-fiction des années 70 – quelque part entre Gerry Anderson et Blakes 7. Les synthés de Simon House sont vraiment la vedette du spectacle tandis que la flûte et la batterie ludique agissent comme un casting de soutien. Cela ressemble vraiment à un voyage à travers une galaxie spirale. La chanson se termine en disparaissant à l’horizon comme un OVNI.

Warriors voit le retour de Michael Moorcock en mode full dalek avec la ligne d’ouverture “We are the Warriors at the Edge of Time”. Vous vous attendez à moitié à ce qu’il atteigne cette phrase magique “exterminer”. Encore une fois, des tambours et des percussions retentissants et roulants accentuent les paroles. Les claviers élancés se transforment en sons spatiaux alors que le cri de Moorcock disparaît – comme s’il tombait dans un ravin. Une simple ligne de basse maladroite mène à Dying Seas, rejointe par un clavier bouillonnant, une guitare qui souffle et la double batterie. La basse et la guitare montent en gamme pendant la chanson et il y a des moments où elles empruntent apparemment des phrases musicales à d’autres morceaux de l’album. Les échanges vocaux de Turner avec le violon ou les claviers en tête. Encore une fois, un jam groovy quelque peu discordant avec beaucoup de saxo de Turner s’estompe pour clôturer la chanson.

Une guitare carillonnante et une glissière de médiator lancent l’album plus près de Kings of Speed. Formé autour d’un autre riff soufflant, il a une touche de boogie. Cela ressemble presque à Status Quo dans son approche basée sur le blues, mais avec le mur Hawkwind supplémentaire de claviers et de synthés qui culbutent et montent. Un solo de guitare soigné mais simpliste est superposé sur une cloche de vache, puis complété par un violon au son résolument folklorique. Kings of Speed ​​ne concernait pas l’amphétamine (une drogue qui conduirait le groupe à se séparer de Lemmy et donnerait au monde Motörhead) mais à propos de divers personnages de Moorcock prenant un vol spatial. Moorcock est crédité d’avoir écrit des paroles par diverses sources en ligne, bien que seul Brock soit crédité sur l’album.

Le remix de Steve Wilson a plus de profondeur et de plage dynamique et le mur d’instruments semble avoir plus de clarté et de séparation. Vous pouvez entendre plus de ce qui se passe, ce qui rend cet album immersif encore plus une expérience d’écoute. À un ou deux endroits, la merveilleuse basse Thunderbird de Lemmy est empêchée de percer. Cela ne semble pas terrible car ce n’est que dans quelques endroits, mais à mon avis, c’est dommage. Pour certains, cela peut être un prix à payer pour obtenir un mélange moins boueux, mais certains puristes peuvent ne pas être satisfaits. Les périls de quiconque jouant avec l’artefact original !

Il y a une armée chaotique de fans de Hawkwind qui apprécieront cette opportunité de se procurer un exemplaire neuf de ce disque et de sa pochette sans avoir à négocier les périls du marché coûteux de l’occasion. Certains collectionneurs voudront compléter l’ensemble, en le classant aux côtés de leur original tant aimé.

Disponible depuis Atomhenge

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Paroles de Nathan Brown. Vous pouvez en savoir plus sur Nathan dans ses archives Louder Than War ici.

C’est un signe, je pense, de la façon dont les bandes dessinées pour les jeunes femmes sont devenues acceptées (contrairement au mauvais vieux temps d’il y a quelques décennies, lorsque les bandes dessinées étaient des histoires de super-héros pour les jeunes hommes) que nous avons enfin un livre sur les chevaux.

Le livre sur les chevaux était autrefois un incontournable de la fiction pour filles. Mais les chevaux sont généralement reconnus pour être plus faciles à écrire qu’à dessiner, ce qui peut être l’une des raisons pour lesquelles il a fallu si longtemps pour obtenir un très bon roman graphique sur l’évasion vers le paddock pour faire face aux difficultés de l’adolescence.

Dans la foi d’Erin Hicks Monter sur, cependant, l’écurie n’est pas nécessairement une échappatoire. Cela peut venir avec ses propres luttes. Victoria adore les chevaux, mais elle n’aime pas les compétitions et les coûts impliqués. Son amie Taylor a son propre cheval et a hâte de concourir sur le circuit. Après une brouille, Victoria retourne à l’équitation dans une autre écurie.

Nous rencontrons Victoria à la nouvelle écurie, avec Norrie (très bavard), Hazel (calme) et Sam (le garçon). Norrie est déterminée à faire en sorte que Victoria agisse comme elle l’attend, mais Victoria ne veut plus d’amis à cheval. Elle aimerait peut-être un ami de science-fiction, car tous les enfants adorent une émission de télévision de science-fiction.

Il est agréable de voir que Hicks dessine très bien les chevaux, ainsi que la variété des jeunes. Elle a choisi les cheveux de Victoria pour indiquer si nous lisons un flashback (où elle a les cheveux bleu foncé) ou des événements plus récents (où sa couleur de cheveux s’est estompée et a poussé). Cela évite que les sauts dans le temps ne soient trop déroutants.

Les thèmes ici sont subtils, sur les attentes placées sur certains types d’amis et sur ce que les garçons et les filles sont censés faire. Parfois, nous perdons le contact avec des personnes qui étaient autrefois importantes pour nous, car nos intérêts ou nos circonstances de vie changent. Ce n’est pas un mauvais message, bien qu’il puisse être un peu obscur pour un groupe d’âge plus jeune.

Le scénario n’est pas l’élément le plus fort ici; les petites interactions et les amitiés grandissantes le sont. Les différents éléments ne s’alignent pas parfaitement ensemble, ce qui rend cette approche un peu plus mature que d’autres livres du type «apprendre des leçons de vie» au collège.

(Avis initialement publié sur Bonnes BD pour les enfants.)

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Si vous n’avez pas entendu parler Coup de cœur maintenant, vous ne connaissez clairement pas beaucoup de jeunes. C’est une émission télévisée Netflix réussie, avec certains des meilleurs castings les plus fidèles que j’aie jamais vus dans un projet basé sur une bande dessinée. Mais d’abord, c’était un roman graphique charmant sur deux garçons mignons tombant amoureux.

C’est la façon silencieuse dont cette série est si révolutionnaire et comment elle montre à quel point les temps ont changé. L’angoisse, aussi mineure soit-elle, est typique des romans scolaires. “Est-ce qu’il m’aime?” est plus un thème que “Je suis gay et donc ma vie doit être cachée et terrible.” (Les personnes âgées parmi nous se souviendront de l’époque où c’était le seul type de personnage gay que nous voyions dans les médias, en particulier s’ils tombaient malades.)

Charlie est gay, et tout le monde le sait, grâce à une sortie passée qui n’était pas entièrement son choix. Il s’assied à côté de Nick en classe un jour. Charlie est un batteur, artistique, tandis que Nick est un garçon de rugby. Ils deviennent peu à peu amis, puis plus.

Charlie pense d’abord qu’il a le béguin pour un garçon hétéro. Nick se rend compte qu’il a des sentiments pour Charlie, mais il est supposé être intéressé par les filles. Il commence à se demander s’il est bisexuel. En revanche, le méchant, un tyran égoïste, est celui qui refuse d’admettre qui il est et ce qu’il veut. Les autres veulent être fidèles à eux-mêmes, aidés par des amis qui les soutiennent.

La fin de Coup de cœur volume 1 est un tournant dans l’amitié entre Charlie et Nick. 2ieme volume est beaucoup plus sur le parcours de Nick, la politique du coming out et la façon dont les autres prennent en compte la façon dont quelqu’un veut être public. C’est un conflit discret mais significatif.

L’art est fluide et capture magnifiquement à quel point ces deux-là sont mignons ensemble. Il est également facile à lire, préparant bien le terrain pour que leur vie semble réelle. Toute l’émotion est sur la page et le lettrage fait à la main semble immédiat aux lecteurs, comme s’ils étaient là avec les garçons. C’est une histoire d’amour que beaucoup de gens apprécieront de lire, et je suis tellement contente que les adolescents l’aient.

(Avis initialement publié sur Bonnes BD pour les enfants.)

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Les nouveaux apprenants d’espagnol sont souvent confus par le concept de noms masculins et féminins. Comment une table peut-elle être féminine ? Et pourquoi diable un livre est-il masculin ? Le genre grammatical est simplement une façon de catégoriser les noms, mais c’est une partie essentielle de la langue espagnole.

Si vous êtes un débutant en espagnol, vous pourriez vous sentir intimidé par les règles de genre en espagnol. Pour l’instant, essayez de ne pas vous inquiéter ; cela devient vraiment plus facile plus vous pratiquez! Et si vous souhaitez maîtriser l’espagnol plus rapidement et sans mémorisation fastidieuse, Rosetta Stone peut vous aider.

Nous avons compilé quelques règles faciles à retenir pour vous aider à maîtriser le genre espagnol. Ils comprennent:

• Les noms qui se terminent par “o” sont généralement masculins
• Les noms qui se terminent par “a” sont généralement féminins
• Certains noms enfreignent les règles “o” et “a”
• Les noms qui se terminent par “papa”, “tud”, “sión” ou “ción” sont féminins
• Les noms qui se terminent par « ama » ou « ema » sont souvent masculins
• Les groupes mixtes sont masculins

Pour mieux comprendre ces règles, nous allons d’abord examiner comment le genre affecte l’utilisation des noms, des articles et des adjectifs. Plongeons dans le masculin et le féminin en espagnol !

Pourquoi le genre est-il important en espagnol ?

En espagnol, chaque chose – du physique (fruit) à l’abstrait (état de contentement) – est exprimée au masculin ou au féminin. Bien que les règles de genre en espagnol puissent sembler arbitraires pour les apprenants débutants, c’est une partie nécessaire de la langue espagnole.

Les cultures hispanophones attribuent un genre à de nombreux objets et concepts qui sont neutres en anglais. Comprendre et respecter cette différence est important pour une communication efficace et une sensibilité culturelle. Apprendre et utiliser correctement les règles de genre en espagnol vous aidera à vous engager plus profondément avec les hispanophones et à vous exprimer clairement.

Le genre affecte les terminaisons et les formes de nombreux mots en espagnol. Par exemple, les adjectifs et les articles changent de forme selon que le nom qu’ils décrivent est masculin ou féminin. Il est plus facile d’apprendre le genre de chaque mot ainsi que sa signification.

Nous avons six règles de genre grammaticales faciles à retenir pour vous aider à maîtriser l’espagnol.

Comprendre les noms genrés en espagnol

L’une des premières choses à comprendre à propos du genre espagnol est que les créatures vivantes et les objets non vivants sont tous classés comme masculins ou féminins en espagnol.

Nous n’utilisons pas de genre grammatical en anglais, cela peut donc sembler arbitraire ou même illogique si l’anglais est votre langue maternelle. Cependant, le genre fait partie intégrante de la langue espagnole et ne peut être évité.

Si vous parlez d’une personne ou d’un animal, le genre grammatical attribué correspond souvent au genre biologique. Donc “chat femelle” est flingueunet “chat mâle” est flingueo. « Amie » est parmiunet “ami masculin” est parmio.

Qu’en est-il des objets inanimés comme un bureau ou une table ? En anglais, nous ne considérons pas les objets inanimés comme ayant un genre, mais en espagnol, chaque chose a un genre. Donc “bureau” est masculin (escritorio) et “table” est féminin (mesa).

Gardez à l’esprit que chaque nom a son propre genre et, plus important encore, que le genre d’un objet ne change pas selon qui le possède ou l’utilise. Par exemple, maquillage (maquillage) est un mot masculin même si le maquillage est souvent utilisé par une femme. Corbate (cravate) est un mot féminin même si une cravate est généralement considérée comme un vêtement pour hommes.

>>Besoin d’un abécédaire ? Familiarisez-vous avec le vocabulaire espagnol de base !

Comprendre les articles genrés en espagnol

Un article et son nom doivent correspondre en genre et en nombre.

Ceci est connu comme accord. L’accord signifie simplement que l’article change de forme pour correspondre au genre masculin ou féminin du nom et au statut singulier ou pluriel.

Les articles sexués sont une partie essentielle et incontournable de l’espagnol. Il existe deux types d’articles : les articles définis et les articles indéfinis. Les articles définis font référence à des noms spécifiques (c’est-à-dire “la plaque”)et les articles indéfinis font référence à des noms non spécifiques ou généraux (c’est-à-dire « une assiette »).

Application des règles de genre aux articles définis en espagnol :

“Le” est un article défini.

El est l’article défini utilisé avec les noms masculins singuliers, et los est utilisé avec les noms masculins pluriels.

• el Platon = le plaque
• el niño = le garçon
• los platos = le assiettes
• los niños = le garçons

La est l’article défini utilisé avec les noms féminins singuliers, et Las s’emploie avec les noms pluriels féminins.

• la maison = le loger
• la puerta = le porte
• Las casas = le Maisons
• Las puertas = le des portes

Application des règles de genre aux articles indéfinis en espagnol

« A », « an » et « some » sont des articles indéfinis.

ONU est l’article indéfini utilisé avec les noms masculins singuliers, et cela signifie “un” ou “un”. Par exemple, ONU livre = un livre. Unos est utilisé avec les noms masculins pluriels, et cela signifie “certains”.

• ONU Platon = un plaque
• ONU niño = un garçon
• unos platos = quelques assiettes
• unos niños = quelques garçons

Una est l’article défini utilisé avec les noms féminins singuliers, et cela signifie “un” ou “un”. Par exemple, une niña = une fille. Ounas est utilisé avec des noms pluriels féminins, et cela signifie “certains”.

• una maison = un loger
• una puerta = un porte
• una casas = quelques Maisons
• una puertas = quelques des portes

Il existe certaines exceptions et irrégularités dans l’accord de genre dont vous devez être conscient. Pour cette raison, il est préférable de vérifier le genre du nom lorsque vous apprenez sa signification. Certains noms ont un genre différent de celui auquel on pourrait s’attendre en fonction de leurs terminaisons ou de leur signification.

Comprendre les adjectifs genrés en espagnol

Les adjectifs et les articles se comportent de la même manière. Un adjectif espagnol doit correspondre au genre et au nombre du nom qu’il décrit. Si le nom est masculin et pluriel, alors son adjectif doit également être masculin et pluriel.

Il est important de comprendre les adjectifs genrés afin de pouvoir décrire correctement les choses en espagnol. Voici quelques exemples pour vous montrer comment fonctionnent les adjectifs espagnols :

Les adjectifs masculins se terminent souvent par “o”

Par exemple, alto = grand, et il est utilisé pour décrire un nom masculin singulier comme homme (“homme”). Une fois réunis, vous pourriez dire :

l’homme alto = l’homme grand

Lorsque vous décrivez un nom masculin pluriel, ajoutez simplement la terminaison plurielle à l’adjectif. Alors quand tu décris hommes (“hommes”), vous pourriez dire :

unos hombres altos = quelques hommes grands

Les adjectifs féminins se terminent souvent par “a”

Par exemple, baja = court, et vous pouvez l’utiliser pour décrire un nom féminin singulier comme chica (“fille”). Une fois réunis, vous pourriez dire :

une chica baja = une petite fille

Lorsque vous décrivez un nom féminin pluriel, ajoutez la terminaison plurielle à l’adjectif. Décrire chicas (“filles”), vous pourriez dire :

las chicas bajas = les petites filles

¡OJO ! (C’est l’argot pour “attention” en espagnol !)

Certains adjectifs ont des formes irrégulières et ne suivent pas les terminaisons « o » ou « a » typiques. Par exemple, trabajador = travailleur (singulier masculin), et trabajadora = travailleuse (femme au singulier). Vous apprendrez ces adjectifs espagnols irréguliers au fur et à mesure.

Règles pour les noms masculins et féminins en espagnol

Les noms espagnols sont classés comme masculins ou féminins à des fins grammaticales. La catégorie de genre détermine les formes d’articles, d’adjectifs et de pronoms qui accompagnent le nom. Il existe des règles générales pour vous aider à identifier le genre des noms en fonction des terminaisons de mots, mais il est important de savoir qu’il existe des exceptions à ces modèles.

Voici quelques règles de genre espagnoles à connaître.

1. Les noms qui se terminent par “o” sont généralement masculins

Les noms qui se terminent par “o”, comme Bolso, cheminet voiture sont typiquement masculins.

2. Les noms qui se terminent par “a” sont généralement féminins

Les noms qui se terminent par “a”, comme camisa, corbateet plume sont typiquement féminins.

3. Certains noms enfreignent les règles “o” et “a”

Les règles de grammaire espagnole sont régulièrement documentées et réglementées par la Real Academia Española. Pourtant, c’est aussi une langue vivante en constante évolution. Parfois, vous constaterez que quelque chose ne suit pas les règles que vous avez apprises.

Il y a quelques exceptions aux règles « o » et « a », et un Dictionnaire espagnol-anglais ou la liste de vocabulaire notera si un mot est une exception. Avec la pratique, vous apprendrez les exceptions les plus courantes en un rien de temps.

Par exemple, jour, carte, et planète se terminent tous par « a », mais ce sont des noms masculins. De la même manière, photo, mano, et radio se terminent par “o”, mais ils sont féminins.

Dans certains cas, il y a une raison logique à l’exception.

Par exemple, photo est l’abréviation de photographie de la même manière que “photo” est l’abréviation de “photograph” en anglais. Le mot photographie se termine par “a” et est féminin. Quand les hispanophones raccourcissaient photographie pour photole mot est resté féminin.

El microondas (“micro-ondes”) est l’abréviation de el horno microondas (“four à micro-ondes”), et c’est pourquoi il est traité comme un nom masculin singulier même si microondas se termine par “comme”.

4. Les noms qui se terminent par “-dad”, “-tud”, “-sión” ou “-ción” sont féminins

Les mots espagnols qui se terminent par “-dad”, “-tud”, “sión” ou “ción” sont toujours féminins. Quelques exemples sont ci-dessous.

5. Les noms qui se terminent par “-ama” ou “-ema” sont souvent masculins

De nombreux mots espagnols qui se terminent par “-ama” ou “-ema” ont commencé comme des mots grecs. Lorsque les hispanophones ont adopté ces mots du grec il y a des centaines d’années, ils ont été classés comme des mots masculins en espagnol.

6. Les groupes mixtes sont masculins

Un groupe mixte de noms masculins et féminins est considéré comme masculin à des fins grammaticales, quel que soit le ratio homme-femme. Par exemple,

• 1 niño + 2 niñas = 3 niños 1 garçon + 2 filles = 3 enfants
• 30 chats + 12 Gatas = 42 chats 30 chats mâles + 12 chats femelles = 42 chats
• 1 perro + 199 perras = 200 perros 1 chien mâle + 199 chiennes = 200 chiens

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Ces règles vous aideront à comprendre le masculin et le féminin en espagnol, mais la pratique et l’exposition à l’espagnol sont cruciales. Au fur et à mesure que vous progresserez dans votre parcours d’apprentissage de la langue espagnole, vous deviendrez beaucoup plus à l’aise avec les règles de genre en espagnol !

Avec Rosetta Stone, vous pouvez dire adieu à la mémorisation. Au lieu de cela, la méthode d’immersion dynamique de Rosetta Stone donnera une exposition maximale à votre nouvelle langue, avec un son prononcé par des locuteurs natifs et des images pour vous aider à relier les mots à leur signification. Tout est présenté en espagnol, offrant une expérience vraiment immersive comme si vous viviez à l’étranger. De plus, vous obtiendrez des commentaires immédiats à chaque fois avec TruAccent, vous aidant à ressembler davantage à un local.

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Écrit par Laura Skidmore

Le livre de la fierté de DC est sous-titré “Une célébration des personnages LGBTQIA + de DC”, et c’est le cas. Cependant, pour ceux qui veulent plus qu’un joli volume pour une table basse qui montre qu’ils apprécient les super-héros queer, le livre n’est pas aussi utile qu’il pourrait l’être.

Les courtes descriptions des personnages sont écrites par Jadzia Axelrod. Je suppose que l’introduction, qui donne un bref historique de la façon dont la Comics Code Authority a interdit les personnages queer et comment depuis lors, il y en a eu beaucoup plus, l’était aussi. Chacun des plus de 50 personnages reçoit un profil avec leurs pronoms, une citation, leur première apparition, leurs goûts et dégoûts (ce qui donne l’impression d’un manga ou d’un magazine pour adolescents) et une description de leurs pouvoirs et de leur origine.

Il y a une illustration du personnage, qui je crois est un clip art, repris d’une précédente apparition dans la bande dessinée. Je ne peux pas le dire avec certitude car aucun des arts n’est spécifiquement crédité. (La couverture est créditée à Paulina Ganucheau.) Il y a une page de «Remerciements d’artistes» qui répertorie 139 noms, dont plusieurs écrivains, dans un bloc géant. Il n’y a aucun moyen de dire qui est responsable de quel personnage. J’aurais aussi aimé voir plus d’images des personnages, puisqu’aucune n’est montrée avec des partenaires.

En revanche, trois pages de glossaire expliquent des termes tels que «aromantique» et «lanterne verte». Non, vraiment, les termes de genre et d’orientation sont mélangés avec “Speed ​​​​Force” et “Themyscira”.

Les personnages inclus sont bi, trans, non binaires, asexués, lesbiens et gays. Je n’en ai pas reconnu beaucoup, surtout ceux qui ont fait leurs débuts au cours des cinq dernières années environ. C’est de ma faute – j’ai pratiquement arrêté de lire des bandes dessinées de super-héros. Mais si j’étais suffisamment intéressé par l’un d’entre eux pour vouloir en lire plus, je ne sais absolument pas par où commencer. Il n’y a aucune indication sur l’endroit où ils apparaissent actuellement (probablement parce que la plupart d’entre eux n’apparaissent pas régulièrement) ou sur l’endroit où les incidents décrits dans leur capsule bios ont été décrits.

Je ne suis pas sûr que le public de ce livre s’en souciera, car je soupçonne que la plupart d’entre eux connaissent déjà plusieurs de ces personnages et n’ont aucun problème à l’utiliser comme guide pour de futures recherches. Je suis content que DC ait autorisé ce livre; Je suis déçu que la plupart des personnages inclus soient si peu connus et peu utilisés. (L’éditeur a fourni une copie de révision numérique.)

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Enregistrements de fusée : Launch300

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Un éventail complet d’anciens élèves de Rocket des fournisseurs puissamment transformateurs de divers sons de Bristol, la compilation Launch300 parvient à récolter le meilleur des artistes éclectiques du label et les meilleurs morceaux de ces artistes.

En harmonie avec le ton astral (celui qui a longtemps adapté l’ambition stratosphérique du label et de ses artistes) du communiqué de presse de l’album, le label désormais suprêmement recherché a commencé dans un envol entêtant, avant de devenir les divins surveillants psychiques de aujourd’hui. Au cours de leurs 25 ans de gestation, le label de Bristol est rapidement devenu l’étalon-or des trésors psych, noise et généralement du champ gauche. Cependant, les origines humbles étaient aux racines de Rocket Recordings. À partir de 1998 – leur premier single sorti par les pionniers psychédéliques de Bristol, The Heads – avec des habitudes d’écoute aussi diverses que la liste superbement éclectique que le label présente maintenant, un penchant pour Aphex Twin, Can, Black Sabbath, et plus encore, a exhorté une mission à cultiver une plaque tournante moderne pour que des luminaires tout aussi époustouflants puissent prospérer. Tout le reste était également le bienvenu; tant qu’un art unique et brillant frappait à leur porte, ils étaient joyeusement invités à entrer dans la House of Rocket.

Outre le flux incroyable de groupes qui brisent les frontières, un élément essentiel de Rocket a été la direction artistique toujours hypnotique – régulièrement conçue par les co-fondateurs Chris Reeder et John O’Carroll. Cette fois, ce n’est que légèrement différent : pour une telle étape, l’artiste français Philippe Caza a créé de magnifiques pochettes d’album aéronautiques, Forbidden Planet-esque.

Smote livre la bien nommée Coal Tongue. Leur meilleur à ce jour (avec le plus grand potentiel de headbanging), ce chien cendré d’un morceau résonne dans des flammes bruyantes et répétées jusqu’à sa fin infernale. Attaché par un échantillon étrange, mélangé juste en dessous de la surface à base de magma, et correspondant au ton folklorique et macabre du groupe (des échantillons sonores trouvés ont été utilisés précédemment) et ajoutant un châtiment lourd et envoyé par le ciel ; également donné une puissance supplémentaire par une certaine distorsion crépitante. Il est également bien servi par le côté plus psych-folk du groupe qui se détache légèrement – ​​un derviche conducteur beaucoup plus primitif se déchaîne.

La nature essentielle du disque est aggravée par le fait que les seigneurs psychédéliques suédois Goat ont également leur meilleur morceau en vedette. Aiguisant leurs grooves irrésistibles à la perfection, des basses incroyables qui claquent comme un python acharné mènent Goatsnake, tandis que des voix irisées vantent l’apocalypse, agissent comme la colonne vertébrale (ironique) du morceau. La basse vibrante et funk est non seulement digne de diriger une si grande offre, mais aussi digne et rappelle la puissance des basses de Steve Hanley de The Fall (s’il avait écouté exclusivement Afrobeat pendant un an).

Envoyant un chaudron de komische exubérant, plus doux et délectable, les autres non-conformistes suédois Och contribuent un instrument marécageux qui ajoute du piquant et de la variété hypnagogiques au festin aromatisé à la fusée. Le groupe interpole des sons de basse lugubres avec une texture de beurre de cacahuète et des synthés mélodiques semblables à de la confiture; une baratte CAN nuancée et texturée et un délicieux régal pour les sens.

Shit and Shine – Craig Clouse évoque sa magie électronique déconcertante pour son travail le plus caustique mais accrocheur. Le champ gauche et l’épine dorsale belliqueuse du morceau marient l’humour et le drame rythmique nordique : les rythmes sinistres de Clouse dansent autour d’un extrait du drame de 2004 The Football Factory, avec des soufflets suintants de Danny Dyer. Merde et brillance industrielles, cliquetis, cacaphoniques mais satisfaisantes de synthés sonores ; dans cette machine sonique de Rube Goldberg, évoquant un sommeil en retard dû à un dysfonctionnement des systèmes corporels, il n’est pas étonnant que ce surnom soit apparu.

Une autre centrale électrique crânienne – légèrement liée à celle des autres siphonneurs lourds du Nord Smote – de répétition induisant le délire, employant un peu plus de lourdeur, Naught Sayin ‘assure que Gnod a imprimé le disque avec leur morceau le plus éviscérant. Bien qu’il soit adjacent au morceau d’ouverture de Smote, la lourdeur amplifiée du paysage de terreur de GNOD réside dans sa volonté obstinée, implacable et indomptable de ne jamais s’éloigner de son riff principal qui martèle le crâne. Les grooves nocifs abondent, suffisamment addictifs pour produire un retrait après une écoute.

J. Zunz (Lorena de Lorelle Meets the Obsolete du Mexique) donne au disque une diversité fluide et introspective. Ornée par la voix de Yoko Ono-ish, la beauté chantante et labyrinthique de Radix descend de manière appropriée dans une sortie inattendue: des arrangements hypnotiques décadents de type glockenspiel éveillent les sens à travers des idylles gluantes à la Harmonia.

Pour ceux qui aiment se baigner dans l’éblouissement des drones, Centrum fait du Launch300 un achat encore plus excellent pour vous. Leur morceau symbolise à la fois les lignes floues ambiguës et génériques du label et du groupe; de nombreuses pistes peuvent facilement s’insérer dans de nombreux genres ou lieux psychogéographiques. Outre les racines suédoises, son influence hypnotique et induisant la transe fait écho à des régions plus orientales, comme le mysticisme étourdissant de la flûte de pan marocaine de Joujouka.

En tant qu’antithèse de leur Castalia, les Utopia Strong’s Harpies émettent un paysage sonore serein de prog ambiant méditatif, sinueux. La contribution du groupe Steve Davis est une affaire suffisamment complexe pour élargir la portée de l’album, ainsi que celle du label.

Par conséquent, la myriade de morceaux sur Launch300 en fait une compilation digne de rivaliser avec l’impact, la légende et la pure nécessité de ceux comme Nuggets.

 

Tous les mots de James Kilkenny. Voir ses archives Louder than War.

James Bone – La nuit, la ville brûle

(Auto libéré)

CD/DL/Diffusion

Disponible dès maintenant

L’auteur-compositeur-interprète du sud de Londres James Bone a sorti son premier album At Night, The City Burns en avril. Il a échappé au radar Louder Than War à l’époque, mais Iain Key rattrape le temps perdu.

James Bone était un nouveau nom pour moi lorsqu’il a été recommandé par l’artiste Stephen Lynn, basé à Manchester. Sachant que Stephen a un goût impeccable et ne ferait aucune suggestion à la légère, j’ai été intrigué d’en savoir plus. Deux choses m’ont tout de suite saisi; une citation de l’artiste, « J’ai une guitare, une voix, un tas de morceaux auxquels je crois et une Volkswagen Golf 2007. J’irai partout dans le monde où les gens le voudront » (qui n’aime pas un troubadour classique qui travaille dur ?) et le morceau d’ouverture de l’album, Fuck ‘Em All.

Les lecteurs connaîtront notre appréciation du travail de Chris Bridgett, né à Geordie et vivant à Manchester; ce morceau d’ouverture a la même brutalité et le même défi granuleux, bien qu’une version sudiste que l’ancien leader des Cold Water Swimmers. Certainement un bon début.

James Bone semble être sorti de nulle part. “J’ai joué dans des groupes pendant des années, mais ils sont tous tombés au bord du chemin, comme c’est souvent le cas”, dit-il, “puis j’ai écrit/réalisé un court métrage sur un boxeur qui a fait bouillir la créativité, mais je savais que je devais obtenir mon cul en vitesse et faire un disque, puis Covid est arrivé et il semblait que le moment était venu!

L’album a été enregistré en 2022, Bone travaillant avec divers musiciens talentueux, dont l’ancienne chanteuse de Wildflowers, et l’actuel Raven, Siddy Bennett, et le célèbre batteur et chef d’orchestre de jazz Pharaoh Russell. L’artiste dit qu’il est “inspiré par des gens comme Billy Bragg, Sleaford Mods et Motown”, ce qui est un excellent mélange, peut-être que c’est un peu paresseux, mais j’ajouterais Frank Turner et Beans On Toast aussi. La brutalité de Fuck ‘Em All attire l’attention, mais elle n’est en aucun cas “typique” pour une grande partie de l’album. Prenez les deux morceaux suivants, No Man’s Land et Mad Dog Blues, le premier étant un duo avec le Bennett susmentionné, qui sont plus de style acoustique alt-folk.

La chanson d’Abraham Charlson est un peu en décalage avec le reste de l’album mais j’ai trouvé que c’était l’un des points forts. S’adressant à Bone à propos du morceau, il explique: «J’ai regardé un documentaire historique pendant Covid sur le mouvement luddite pendant la révolution industrielle. Abraham a été rattrapé et arrêté pour avoir jeté une brique contre une fenêtre lors d’une manifestation avec ses parents au sujet du salaire des travailleurs, etc. Il a fini par être le plus jeune en Grande-Bretagne à être pendu à seulement 12 ans; donc j’ai écrit l’histoire/chanson de son point de vue. J’ai l’impression, sans être pendu pour ça, que les gens et les travailleurs se font encore avoir aujourd’hui, tout comme pendant la révolution industrielle.

Les albums se concentrent ensuite sur la vie au 21e siècle avec des histoires d’amis, de connaissances et de relations. There Goes My Soul est très Braggish, des voix brutes soutenues par une guitare électrique tandis que Made In Britain est plus délicat avec un style similaire à celui de Jay McAllister. Ce morceau est récemment sorti en single et est une histoire sérieuse sur la santé mentale des hommes, sur l’amitié, l’amour et la perte. Sorti en association avec @andysmanclubuk l’une des principales organisations à amener les hommes à s’ouvrir les uns aux autres au lieu de mettre les choses en bouteille. Au milieu des cordes apparaissent subtilement et sous-tendent la guitare choisie, mais disparaissent de manière critique pour le puissant avant-dernier couplet.

Une chose est sûre, il y a plein d’idées sur cet album et malgré les styles différents tout s’emboîte parfaitement. Cette variance est davantage mise en évidence sur les dernières pistes, Dwellers Lament avec son piano et sax et aussi l’avant-dernier This City’s Gonna Break Me, But First I’ll Let It Take Me avec son harmonica Dylanesque. Les deux voient le retour de Bennett pour ajouter de l’équilibre à la livraison parfois abrasive de Bones, tout comme l’album plus proche, The Ballad of Billy and Janey. Lui-même une chanson d’amour imprégnée d’âme avec des cors (à la Redskins?). Une façon édifiante et positive de terminer qui vous donnera envie de plus.

Bien qu’il ne s’agisse que de 9 titres sur 35 minutes, il ressort clairement de At Night, The City Burns, que James Bone est un conteur d’enfer et que c’est quelqu’un que je surveillerai à l’avenir.

 

Tous les mots par Iain Key. Voir son profil d’auteur ici ou retrouvez-le sur Twitter en tant que @iainkey